Что поют певцы на картине
Музыка на картинах: великие концерты от великих художников
Тициан. «Пасторальный концерт». Ок. 1509 г. Лувр
Видения в безмятежности
Два молодых человека, одетых по последней моде, сидят на лужайке в компании обнаженных женщин и музыкальных инструментов. И это не бытовая сценка, изображающая пикник развратной итальянской молодежи, а скорее всего, аллегория. Одна из дам, держащая флейту, – вероятно, муза музыки, сопровождающая юношу с лютней. Девушка, льющая воду из кувшина, – муза поэзии, спутница второго мужчины. Обе красавицы – ирреальные образы, порожденные вдохновением отдыхающих. Обратите внимание – герои картины оглядываются, обеспокоенные появлением на заднем плане пастуха, чье стадо своими криками нарушило их музыкальный покой. Картина, которая считается самым великим изображением «концерта» в мировой живописи, воплощает идеальное спокойствие, присущее эпохе Возрождения.
Отрада для всех пяти чувств
Караваджо. «Лютнист». Ок. 1595 г. Государственный Эрмитаж
Про это полотно обычно вспоминают тот факт, что позировал для него, скорее всего, спутник жизни Караваджо, молодой художник Марио Миннити. Но все же картина является не портретом в смысле изображения конкретного человека, а иллюстрацией глобальной идеи красоты, причем такой, которую нужно воспринять всеми органами чувств. Для зрения – миловидность лютниста и изящество цветов в вазе. Для обоняния – приятный запах этих цветов, а также лежащих рядом плодов. Эти же фрукты должны напоминать о приятных вкусовых ощущениях. Не забудем и об осязании – наверное, для него предназначена и кожица фруктов, и нежная кожа юноши – кому как больше нравится. И, наконец, пятое чувство, которое, судя по композиции, здесь главный герой, – слух. Именно для его услаждения изображены лютня, ноты со скрипкой. Здесь звучит музыка. Кстати, судя по полуоткрытому рту – нетипичной детали мимики для искусства того времени, юноша еще и поет. Наверняка нежным тенором, а то и альтом! Именно так музыканты развлекали гостей на праздниках XVI–XVII веков – не только на пышных приемах, но и на частных вечеринках.
Похвальное самосовершенствование
Ян Вермеер. «Урок музыки». Ок. 1662–1665 гг. Королевская коллекция Великобритании
В мастерской у Вермеера имелся достаточно ограниченный набор реквизита – ковер, драпировки, несколько кувшинов. И они кочуют у него из картины в картину. Удивительно, но несмотря на однообразие предметов, в каждом полотне художнику удается создать свой уникальный мир. На этой картине, например, запечатлены молодая девушка и преподаватель музыки. Она стоит за верджинелом (разновидностью клавесина), рядом на полу – виолончель. Любопытно, что это не изображение профессионального музыканта за работой, а мирная жанровая сценка. Ведь в Голландии той эпохи уровень жизни был настолько высок, что многие бюргеры могли позволить себе покупку ценных инструментов и обучение своих дочерей музыке. Но дело не только в социальной подоплеке: музыка в картинах малых голландцев использовалась как метафора гармонии и символ скоротечности жизни, неуловимого мгновения.
Почтительные слушательницы
Генрих фон Гесс. «Аполлон и музы». 1826 г. Баварские государственные собрания картин
А вот те живописцы, которые работали в стиле классицизм и вдохновлялись не развлечениями своих друзей и подруг, а античной мифологией, картины про концерты писали более скучные, холодные. Самые торжественные из них обычно посвящены древнегреческому богу музыки и поэзии Аполлону. Бог восседает на горе Парнас в обществе девяти муз, покровительниц всех видов искусств. В руках у него лира – струнный инструмент, на котором в Новое время давно уже никто не играл, однако художники продолжали активно употреблять его в произведениях искусства как опознавательный атрибут. У одной из муз тоже лира в руках – скорее всего, это Терпсихора, покровительствовавшая танцам, или Эрато, отвечавшая за любовную поэзию. А Эвтерпу, покровительницу непосредственно музыки, изображали с предшественниками гобоя или флейты – авлосом или сирингой. Впрочем, в компании Аполлона, как мы видим, дамы не музицируют, а лишь внимают ему в восхищении: типичная гендерная дискриминация для произведений того периода!
Маленькие радости после работы
Антуан Ватто. «Fetes Venitiennes». 1718– 1719 гг. Национальная галерея Шотландии
Великий французский живописец эпохи рококо – времени, которое сознательно избегало всего «великого» и «грандиозного», изобрел свой собственный жанр, называемый «галантные праздники». В них он изображал своих современников – аристократов или актеров, но не в бытовых жанровых сценках, а предающихся увеселениям, танцам, отдыху на природе. Музыка была важным элементом этих маленьких французских пикников времен Людовика-Солнце и его преемника. На большинстве полотен Ватто этого жанра люди поют или танцуют. И хотя подчас музыкальные инструменты не очень заметны, как здесь, их звучание всегда очевидно в зримом танцевальном ритме, который связывает персонажей. На этой картине, название которой примерно можно перевести как «Венецианские увеселения» (в честь оперы балета А. Камбра 1710 года), изображена девушка – возможно, актриса Шарлотта Демаре, фаворитка принца-регента. А ее партнер по танцу, мужчина в «восточном» наряде – друг автора, не очень талантливый художник, зато обеспеченный чиновник от искусства. Глядя на эту сценку, прямо завидуешь развлечениям «интеллигенции» эпохи рококо…
Лица из оркестровой ямы
Эдгар Дега. «Оркестр в Опере». Ок.1870 г. Музей Орсе
Чем ближе к нашему времени, тем меньше художников интересует классическая музыка. Импрессионисты – к примеру, Дега или Тулуз Лотрек, предпочитали более фривольные развлечения: варьете или уличные кафешантаны, то есть открытые террасы, где певички с большим декольте, грассируя, распевали свои песенки. Однако у Дега неистребимой оставалась и любовь к балету – а как тут без классических музыкантов? Так возникла его картина «Оркестр в Опере», по сути групповой портрет музыкантов Гранд-Опера. Большинство лиц в оркестровой яме узнаваемы – это конкретные люди, друзья и знакомые художника, например Дезире Дихау (с фаготом). Дега умудрился даже в ложу на заднем плане поместить конкретного человека – это композитор Эммануэль Шабрие. А вот балерины обезличены – это всего лишь ножки, извечный символ ускользающей красоты в жизни Дега.
О самых интересных выставках, концертах, аукционах, турнирах, чемпионатах и других значимых событиях читайте в MY WAY.
Что поют певцы на картине
Скорая музыкальная помощь | Классическая музыка запись закреплена
Видеть музыку: 5 картин, написанных под впечатлением музыкальных произведений!
Живопись и музыка настолько же далеки друг от друга, насколько близки. Стремясь передать «музыкальность» ситуации или «звучание» определённых сочинений, художники часто изображали музицирующих людей с инструментами, а композиторы изобрели специальный жанр — симфонические картины. Но родство музыки и живописи глубже, ему во все века в обоих искусствах подчиняется композиция, ритм, колорит. Некоторые художники и картины «звучат» особенно ярко.
Сегодня мы предлагаем вашему вниманию пять историй о том как прекрасная музыка вдохновила знаменитых художников на создание не менее прекрасных картин!
М. Врубель «Царевна лебедь»/ Н. А. Римский-Корсаков «Сказка о царе Салтане»
На создание полотна «Царевна-Лебедь» Врубеля вдохновила постановка оперы Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» по произведению А. С. Пушкина, где роль сказочной девы-птицы играла Надежда Забела-Врубель. Сначала это задумывалось как эскиз костюма к спектаклю, но затем выросло в нечто гораздо большее – в загадочный и манящий образ, гипнотизирующий тоской по нездешним мирам. Картина «Царевна-Лебедь» Врубеля стала своеобразным гимном женскому образу эпохи модернизма – иррациональному, почти бесплотному, ускользающему и предвещающему некие перемены.
Погружение в мир музыки Римского-Корсакова стало благотворным поворотом в творческой судьбе Врубеля. Надежда Ивановна, жена художника, вспоминала, что, например, оперу «Садко» Михаил Александрович прослушал около ста раз. Он говорил, что может слушать оркестр бесконечно, особенно сцены моря, что всякий раз находит в нем новые фантастические тона. Их мастер воплощал и в своих изумительных работах. Такими оттенками и полутонами дышит и вдохновенная «Царевна-Лебедь» Врубеля, созданная в 1900 году. На картинах Врубеля почти невозможно увидеть цвета солнечного дня. Он любил переходные состояния – закатный вечер, нарождающееся утро. Колорит концентрирует особое мироощущение художника, его склонность к иррациональному, страсть к тайне и ощущение тревоги, разлитой в мире. В цветовой палитре художника тающие переливы жемчужных тонов в лиловеющем сумраке подобны гармоничным созвучьям музыкального произведения. Такою же трепетной и ускользающей изобразил ту, чье имя Царевна-Лебедь, Врубель.
М. Врубель «Испания»/ Ж. Бизе «Кармен»
Сюжет понятен всякому, кто видит работу. Каждая мелочь, многочисленные детали несут на себе отпечаток некоторого драматизма и экспрессии. Густой южный зной окутывает героев, солнце прорывается через окно, толстые стены не приносят прохлады. Энергия, напряжение чувствуется в позах героев, в их взглядах и даже в платке, небрежно брошенном на стул.
Автор оставляет зрителю огромное поле для фантазии. Публика может придумать сотни сюжетных развязок, но отправной точкой будет страсть, любовь и темперамент.
Колорит работы выдержан в коричневых и синих оттенках. Смешиваясь вместе, они и формируют непростой конфликт изображенной сцены.
И. Репин «Иван Грозный и сын его Иван»/ Н. Римский-Корсаков Симфоническая сюита «Антар» (2 часть, «Месть»)
Великий Репин любил музыку и людей, которые её создают, и написал портреты чуть ли не всех великих русских композиторов, своих современников.
О музыкальной жизни Репина давно пора написать книгу, странно, что её ещё нет (может мы просто не знаем?). Он ходил на концерты в Петербурге, дружил со всеми выдающимися музыкантами своей эпохи и писал картины, вдохновляясь музыкой.
Например, «Иван Грозный и сын его Иван» написана под впечатлением от второй части симфонической сюиты Римского-Корсакова «Антар» — «Месть». После концерта художник захотел воплотить настроение от этой сюиты и «вспомнил о царе Иване».
Вот как рассказывал об этом сам Илья Ефимович в 1913 году, в беседе с корреспондентом газеты «Русское слово»: «Как-то в Москве, в 1881 г., в один из вечеров, я слушал новую вещь Римского-Корсакова «Месть». Она произвела на меня неотразимое впечатление. Эти звуки завладели мною, и я подумал, нельзя ли воплотить в живописи то настроение, которое создалось у меня под влиянием этой музыки. Я вспомнил о царе Иване. Какая-то кровавая полоса прошла через этот год. я работал завороженный».
П. Корин «Александр Невский»/ С. Прокофьев кантата «Александр Невский»
Триптих Павла Дмитриевича Корина «Александр Невский» невидимыми нитями связан с одноимённой кантатой Сергея Сергеевича Прокофьева. Над центральным полотном триптиха Корин работал в 1942 году. Боковые полотна были закончены в 1943 году. Работая над этим монументальным, поразительным по силе и мастерству полотну, художник говорил, что хочет воплотить в ней «непокорный дух русского народа».
О чём поют атакующие крестоносцы? Если перевести с латыни их гимн, получается полная абракадабра:
Пилигрим, ожидаю,
Ноги мои в цимбалы.
Пилигрим, ожидаю,
Ноги мои в цимбалы есть.
Победа рукам несущим крест!
Гибель врагам!
Пилигрим, ожидаю,
Ноги мои в цимбалы, ожидаю!
Прокофьев и не стремился придать осмысленность этому тексту, а составил его из случайных слов «Симфонии псалмов» Игоря Фёдоровича Стравинского. Тонкий троллинг. С юмором у Сергея Сергеевича всегда было всё в порядке.
М. Шагал. Роспись потолочного плафона Парижской оперы
Какая картина может «звучать» богаче, чем холст Марка Шагала площадью в 220 квадратных метров, поднятый над партером парижской Гранд опера? Шагала, на картинах которого люди и животные превращаются в скрипки и виолончели и молятся за весь мир, музицируя на небесах.
Все, что нарисовано на шагаловском плафоне, выражает почтение к авторам опер и балетов XVIII—XX веков. Центр посвящен Бетховену, Верди, Глюку и Бизе — конечно же, его «Кармен». Белая и зелёная части — оперные: «Пеллеас и Мелизанда» Дебюсси, «Тристан и Изольда» Вагнера с «Ромео и Джульеттой» Берлиоза. Далее — синяя часть с моцартовской «Волшебной флейтой» и «Борисом Годуновым» Мусоргского. Затем балеты: классические — «Лебединое озеро» Чайковского и «Жизель» Адана — в желтой части, а новаторские — «Жар-птица» Стравинского и «Дафнис и Хлоя» Равеля — в красной. Для меломанов эта последовательность полна сюжетных и музыкальных связей.
В день открытия нового плафона оркестр исполнил в часть Шагала 41-ю — последнюю — симфонию его любимого Моцарта, «Юпитер». Её начало чудесно подходит для открытия театрального занавеса, а дальнейшие 40 минут музыки представляют драматические коллизии самых разных музыкальных тем-персонажей. Балет так и просится быть поставленным на эту музыку — что в 2000 году и сделал хореограф Паскаль Тьюзо.
Экстренная помощь по гармонии, анализу, написание фуг, консультации по курсовым и дипломным работам 
vk.cc/7h8xOn #интересныефактыСМП #музыкаСМП
LiveInternetLiveInternet
—Метки
—Рубрики
Женский образ в живописи 18-20 веков часть 1
—Поиск по дневнику
—Подписка по e-mail
—Статистика
✨ Василий Кандинский: картины, в которых звучит музыка
Художник-абстракционист Василий Кандинский воспринимал цвета как клавиши, а душу называл многострунным роялем.
«Цвет является средством, чтобы осуществлять непосредственное влияние на душу. Цвет — это клавиш; глаз — молоточек; душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу».
В.В. Кандинский
Сейчас его картины стоят миллионы, на выставки выстраиваются очереди. А тайна Кандинского так и не разгадана: как в музыке за звучанием люди пытаются услышать что-то неведомое, так в его картинах в сочетании красок и форм они пытаются увидеть это. Но главная тайна в том, что увидеть-то на самом деле удается. Как художник заставляет нас делать это — вот в чем загадка.
И только друг и единомышленник Кандинского, великий Арнольд Шенберг, кажется, смог ее разгадать, написав однажды:
«Красота существует постольку, поскольку обыватель испытывает в ней потребность… художник же в этом не нуждается. Ему вполне достаточно правд ы»
Увлекшись творчеством композитора Арнольда Шенберга, живописец написал полотно под впечатлениям от его фортепьянных произведений.
Музыка, выражающая себя через звук и время, дает слушателю свободу: восприятие, интерпретация и эмоциональная реакция, основаны не на буквальном-описательном, а на абстрактном, чего не могла вызвать предметная, реалистичная живопись.
Гезамткунстверк – это термин, введенный в обращение композитором Рихардом Вагнером в середине 19 века. Его дословное значение – совокупное художественное произведение. Этим понятием Вагнер стремился описать «искусство будущего», которое виделось ему как синтез, объединение всех видов искусств. Данная концепция брала начало из панэстетических позиций романтизма. Для Вагнера конкретным воплощением этого синтеза были музыкальные драмы, постановки с использованием специфических сценических средств. Многие современники Вагнера разделяли его идеалистические устремления.
Собственным предшественником Кандинский называл Рихарда Вагнера, которому удалось синтезировать театр и музыку. Затем принцип светомузыки переняли Стравинский и Скрябин, а к энциклопедическому произведению Мусоргского «Картинки с выставки» Кандинский написал декорации
Среди современников Кандинский особенно восхищался Скрябиным, в музыкальных идеях которого он видел родство со своими целями в живописи. Особенно заинтриговали Кандинского исследования Скрябина в области цветомузыкальной теории, говорящей об эквивалентности между определенными цветами и звуками и успешно применяемой композитором на практике в оркестровом произведении «Прометей: Поэма огня» 1908-го года. Эта теория была очень близка стремлению Кандинского найти соответствия между цветами и чувствами. Одной из иллюстраций к эссе о Скрябине, опубликованном в альманахе «Синий всадник» была цветная репродукция Композиции IV.
Он играл на фортепиано и виолончели, обожал театр и мечтал соединить цвет, музыку и сцену.
Еще в 1910-е годы Кандинский создал четыре сценические композиции: «Зеленый звук», «Фиолетовый занавес», «Черный и белый» и «Желтый звук».
Композицичя VIII, написанную в 1923 г. в Баухаузе, на которую вдохновил Малер На первый взгляд — сумбурная совокупность геометрических элементов, набросанных без видимого порядка и организации. При всей как бы произвольности, видимой случайности, композиция его работы глубоко продумана. Об этом свидетельствует значительное количество подготовительных эскизов, их эволюция. Нет тут хаоса.
Дар свыше
У Кандинского был редкий дар – он действительно слышал, как звучат краски, а при описании собственных полотен пользовался музыкальными терминами, такими, как «импровизация» и «композиция». Музыка была для мастера источником художественного вдохновения: художник в прямом смысле слова переносил ноты на бумагу.
Мастер не только использовал свой дар в творчестве, но и занимался его исследованием: он проанализировал свои ощущения и даже составил таблицу под названием «Параллели цвета и звука». Ключевым элементом живописи Кандинский считал звукоцветовые ассоциации.
Интересные факты о художнике:
Так как же ему удавалось слышать краски? На самом деле, развить в себе этот дар могут многие, главное – это готовность понять музыку и пользоваться своим воображением. Подумайте, с каким цветом у вас ассоциируется звучание скрипки, органа, фортепьяно? Какие оттенки вы бы использовали, в каком жанре написали бы картину? А затем берите краски – и начинайте писать.
| Рубрики: | Пером и кистью. |
Метки: Василий Кандинский картины music
Процитировано 21 раз
Понравилось: 33 пользователям
Что поют певцы на картине
Музыка: Муслим Магомаев • Слова: Геннадий Козловский
Трагичный вальс, спетый Магомаевым будто бы на пределе возможностей.
Муслим Магомаев
«Серенада Трубадура (Луч солнца золотого)»
Музыка: Юрий Энтин • Слова: Геннадий Гладков
Почему-то до сих пор все думают, что Олег Анофриев спел в «Бременских музыкантах» и эту полную надежды балладу, но нет. Про то, что ночь пройдет и солнце взойдет, поет Муслим Магомаев — главный голос шестидесятых.
«Поющие гитары»
«Сумерки»
Музыка: Анатолий Васильев • Слова: Ким Рыжов
Одна из первых — и одна из лучших — вещей одного из первых — и одного из лучших — советских ВИА. За клавишами там сидел молодой Юрий Антонов, который вскоре из группы уйдет и сам станет автором и исполнителем.
Аида Ведищева
«Помоги мне»
Музыка: Александр Зацепин • Слова: Леонид Дербенев
Записанное среди ночи под конец продакшена фильма «Бриллиантовая рука» порочное танго про вулкан страстей. Совершенно невообразимое преображение Ведищевой, которая до того исполняла песни куда менее страстные и куда более миролюбивые (из-за этого Гайдай не хотел звать ее петь «Помоги мне»), а тут как затянула во весь голос «Помоги-и-и-и мне!», да так, что никто бы и не смог.
Аида Ведищева
«Все равно ты будешь мой»
Музыка: Александр Зацепин • Слова: Леонид Дербенев
Фильм киностудии «Казахфильм» «Ангел в тюбетейке» о скромном и добром мужчине, который все не может найти подругу, помнят немногие. Куда больше известны песни из него — например, этот утвердительный и дерзкий женский поп о любви как обладании.
Аида Ведищева
«Колыбельная медведицы»
Музыка: Евгений Крылатов • Слова: Юрий Яковлев
Из мультфильма «Умка» — главная колыбельная Советского Союза после песни «Спят усталые игрушки» от прекрасного, но позабытого автора детских книг, сценариев и стихов Юрия Яковлева и даровитого, но тоже позабытого кинокомпозитора Евгения Крылатова. Под космические клавишные Аида Ведищева убаюкивает незримое дитя.
Валерий Ободзинский
«Восточная песня»
Музыка: Давид Тухманов • Слова: Онегин Гаджикасимов
Давид Тухманов был в конце шестидесятых одним из главных популяризаторов легковесного западного танцевального саунда. К моменту записи «Восточной» он уже прославился с хитом про последнюю электричку, но «Восточная» — вещь куда более грандиозная, более глубокая, более страстная.
Вместе с будущим иеромонахом Онегином Гаджикасимовым они написали идеальный крунерский хит, который можно было отдавать хоть Джонсу, хоть Хампердинку, будь они рядом. Именно таким крунером видел себя у микрофона молодой (ему не было и 30) певец Валерий Ободзинский, но Тухманов в итоге убедил его сбавить градус пафоса и исполнить песню от лица мальчика, «который еще не целовал девочку».
Получился полный полунамеков, недосказанностей и при том искрящий током любви хит. За точки после буквы Л накануне 100-летия Ленина авторов и исполнителя, конечно, ругала партийная цензура, но песня быстро ушла в народ. Тухманов стал главным композитором начала семидесятых, а Ободзинский — последним великим советским крунером, мужчиной в аккуратном костюме и с голосом, в котором уживались элегантность и бесконечное отчаяние. Как писал уже в наше время Юрий Сапрыкин, «даже на словах „Сбудется все“, положенных на самые мажорные аккорды, слышится четкое осознание того, что ничего не сбудется, и не случится и, в принципе, видимо, не было вообще никогда».
А почему «Восточная»? А больше не за что было зацепиться, вот и взяли самое очевидное название, вспоминал Тухманов.
Аида Ведищева
«Гололед»
Музыка: Александр Зацепин • Слова: Леонид Дербенев
Лучшая песня из «Ангела в тюбетейке»: про холод в душе, дворников, что экономят соль, и про то, что «виновата сама».
«Поющие гитары»
«Ты уходишь, как поезд»
Музыка: Микаэл Таривердиев • Слова: Евгений Евтушенко
Песня, обозначившая постепенный переход «Поющих гитар» из стана группы, перепевающей хиты The Beatles, в ВИА со своим оригинальным репертуаром. С приходом в коллектив исполнившей «Ты уходишь, как поезд» Елены Федоровой «Поющие гитары» стали одним из главных ансамблей Союза, чьи концерты всегда проходили с аншлагом, причем порой по несколько раз в день.
Муслим Магомаев
«Чертово колесо»
Музыка: Арно Бабаджанян • Слова: Евгений Евтушенко
Диковинная коллаборация великого композитора Бабаджаняна, великого поэта Евтушенко и великого певца Магомаева. Тут одновременно и лиризм-трагизм в куплетах, и разудалая почти что цыганщина в припевах, и высокая эстрада, и яркий клип от немецких режиссеров, снимавших советскую культуру. Идеальный хит, застрявший между эпохами: космополитичными шестидесятыми и усталыми семидесятыми.