Как вы относитесь к искусству
Умом не понять: есть ли смысл в современном искусстве?
Знаете ли Вы хотя бы одного известного современного художника или скульптора? У многих вопрос вызовет затруднения.
Мир перенасыщен информацией. Искусство, технологии, новые тренды – все смешивается в один большой несуразный комок. Люди перестают понимать искусство, а массовая культура продолжает развиваться. Зачем вообще нужны картины, инсталляции, скульптуры? Творчество – это самовыражение. Но выражать себя можно по-разному.
В настоящее время человек не ограничен какими-то рамками, как это было в советские времена или в Средневековье. Фраза «я так вижу» оправдывает самые безумные творческие идеи и порывы людей. Все это привело к тому, что 90% людей не понимает современных тенденций в самовыражении.
Рисунки ногами, волосами, носами, другими частями тела (и не только своего) – скорее средство выделить себя из толпы, нежели привнести в мир что-то красивое и приятное взгляду. (К примеру, Вы могли слышать об Альберте Закирове – художнике, рисующем обнаженными женскими телами).
Новое искусство
Современно искусство остается непонятным для многих людей. Изображения людей и их взаимоотношений, природных явлений и повседневности уже не так захватывают. Искусство все глубже уходит во внутренние переживания, представления и фантазии. Где-то здесь и начинается «темный лес непонимания».
Когда мы смотрим на картину с размазанной краской и парой отпечатков ладоней, то не можем понять чувства художника. Если искусство старого покроя нам интуитивно понятно и близко, то чужие чувства, поданные через призму «хочу выразить себя именно так», не вызывают никакого отклика. Зрителю не за что зацепиться, не над чем думать. (Разве что: «Да я ведь так же могу!»).
Другая крайность современного творчества – необходимость додумывать и фантазировать. Картины военных баталий или академические портреты ушли в прошлое. Современное искусство (точнее его разумная часть) заставляет не смотреть на картину, а искать идею и думать.
Приведу небольшой пример. Что Вы можете сказать об этой картине? Надпись на ней гласит «Это не трубка». Вызывает ли она какой-то отклик?
«Вероломство образом» Рене Магритт, 1928 г.
Нарисовано красиво, почти реалистично. Однако смотреть особо не на что, и на выставке простой обыватель просто прошел бы мимо.
Однако если как следует поразмышлять, то можно прийти к определенному выводу: это действительно не трубка. Предмет на картине не является настоящей трубкой, это не материальная вещь. Смысл не лежит на поверхности. Но опять же, это произведение было написано в далеком 1928 (но все же входит в категорию «современное искусство»).
Современники тоже умеют творить
Ко всему сказанному хочется добавить, что среди наших современников есть по-настоящему талантливые люди. Например, работы сатирического уличного художника Бэнкси (творческий псевдоним) затрагивают остросоциальные темы уже несколько десятилетий.
Также интересно посмотреть на современные 3D инсталляции. Эта область нова и необычна – этим и привлекательна.
Такое искусство воспринимается проще, чем перфомансы с использованием частей тела не по назначению. То, что имеет смысл и наталкивает на размышления – легче признать настоящим искусством.
От автора
Как Вы относитесь к искусству современников? Считаете ли подобное самовыражение нормальным? Если бы Вам выпал шанс посетить выставку современного искусства, Вы бы пошли?
Какое фото стало самым дорогим в мире? Зачем нужна картина по цене особняка? Читать далее.
Если Вы дочитали до этого момента – буду рада Вашим комментариям!
Как бы Вы оценили эту статью? Была ли она полезной и интересной для Вас? Если «да» – не забудьте поставить лайк, если «нет» – дизлайк. Мне важно мнение каждого!
Как вы относитесь к искусству
Ацамаз МАКОЕВ, дирижер, председатель Союза композиторов РСО–А:
– Мне, как композитору, близко, конечно, музыкальное искусство – как классическое, так и современное. Вообще, музыканты делятся на два лагеря: одни «обслуживают» весь мировой репертуар, другие формируют новый и делают то, что сегодня понятно и доступно слушателям. Но современным композиторам сложно адаптировать свою музыку для большой аудитории. Таких деятелей, которые, опираясь на классическое искусство, создают что-то новое, не так уж много. И поэтому очень важно, чтобы появились те, кто сможет показать все грани своего творчества в полной мере, беря за основу то, что было создано до них.
Если отвлечься от музыки, то мне очень нравятся и некоторые современные художники. Но я не совсем понимаю работы, представляющие нарисованную кучу мусора, или просто холст, на который плеснули краску… Здесь так же, как и в музыке, автор должен заложить определенный смысл, понятный каждому. Я думаю, наступит время, когда мы вновь сможем говорить о настоящем музыкальном искусстве, а в сокровищнице появятся произведения, достойные мирового уровня.
Вероника КРЫЛАТОВА, госслужащая:
– Современное искусство – современному искусству рознь. Можно сколь угодно не понимать и не принимать его, но даже в средневековом обществе художник имел право на самовыражение. И если это самовыражение не оскорбительно для верующих, не схоже по какому-либо признаку с экстремизмом, не вижу причины подвергать критике то, что в принципе не имеет критериев четкой оценки. Художник так видит, вам это может нравиться в силу схожести мировоззрения. Или нет – в силу расхождений. Но вот чего я не могу понять и принять, так это когда сначала устанавливают в парке скульптуры скифских героев, а потом из-за критики отрубают «лишние детали» у этих скульптур. Так лучше вообще тогда не устанавливать, чем идти на поводу у критиканов.
Ирина КОЛЕСНИКОВА, художник:
– На мой взгляд, не стоит обобщать и ругать все современное искусство. Есть масса наших современников – талантливых художников, режиссеров, писателей и т. д., достойных признания и восхищения. Параллельно немало эпатирующих посредственностей, старающихся выдать свои сомнительные достижения за искусство. Таким образом, современное искусство, на мой взгляд, представлено как талантами, так и бездарностями (впрочем, как и на вех этапах своего развития). Просто со временем лишнее отсеется, а достойное станет классикой.
Зарина МАРЗОЕВА, с. Верхний Фиагдон:
– Последняя выставка, на которой я была, это выставка молодых художников Вадима Гасиева и Марата Кесаева. Очень понравилось. Горжусь, что в Осетии есть такие талантливые молодые художники. Но совершенно не понимаю «оригинальное» искусство, когда художник или режиссер «самовыражается» на грани дозволенного. Это, конечно, не значит, что современное творчество неинтересное, просто мало людей, умеющих понимать и ценить современные тенденции в искусстве.
Гиви ВАЛИЕВ, заслуженный артист РСО-А и КБР, художественный руководитель СОГАТ им. В. Тхапсаева:
–Для меня искусство не имеет временного пространства. Я не понимаю формулировки «современное искусство», так как искусство вечно: оно и в прошлом, и в настоящем, и в будущем. Но в нем надо пытаться разобраться. И до нас творили, писали картины, ставили спектакли, снимали кино. Главная миссия искусства, на мой взгляд, заключается в созидании. Я не понимаю, как можно считать искусством то, что не несет эстетики, может разрушить внутренний мир. Хочется напомнить выражение Лорки о том, что искусством стали называть все, что угодно, лишь бы нравилось. Я не хочу, чтобы было так. «Дом-2» смотрят миллионы, но это не значит, что это хорошая передача. Разве можно сегодня назвать хотя бы одного художника, который бы писал лучше, чем Леонардо да Винчи, драматурга, который бы превзошел Шекспира, мастера, прекраснее Страдивари? Поэтому, на мой взгляд, сегодня термином «современное искусство» мы только оправдываем свое бессилие.
Почему нам не нравится современное искусство?
Взаимоотношения современного искусства и общества сегодня непросты. Если продвинутые городские жители еще с удовольствием посещают выставки современных художников, то публика менее искушенная и более консервативная не жалует абстрактные полотна, замысловатые инсталляции и экстравагантные перформансы. Кто-то даже считает, что современное искусство и не искусство вовсе, а лишь суррогат настоящего, классического творчества мастеров прошлого вроде Рембрандта, Леонардо да Винчи или Тициана.
В стороне стоит группа зрителей, которые и рады бы назвать нагромождение красок на холсте «мелодичным и красивым», но что-то не позволяет им искренне восторгаться. Нормально ли сегодня испытывать к современному искусству отвращение, легкую неприязнь или смущенный интерес? Чтобы разобраться в этом вопросе, нужно узнать, как и почему оно возникло.
Откуда взялось современное искусство
Есть множество мнений о том, что считать совриском. Одно из них точкой отсчета называет начало ХХ века, когда небывалый социально-экономический рост вытянул огромное количество людей из нищеты. Если раньше всё внимание обычного человека занимал вопрос выживания, то уже сотню лет назад у множества людей появилось то, о чем они не могли и помыслить, — свободное время, прежде доступное лишь сверхбогатым и аристократам.
Свободное время нужно было чем-то заполнять.
По форме она была совершенно неотличима от «материнского» классического искусства. Достаточно посмотреть на многочисленные открытки XIX–XX века, манерой письма напоминающие парижскую салонную живопись. Масскульт, как и «высоколобая» классика, по-прежнему изображал привычный как для буржуа, так и для простого человека окружающий мир.
Массовое и классическое искусство похожи лишь в одном: для изображения «истин» они используют метод копирования реальности. Таким образом, внешне они неразличимы. Олдос Хаксли в своей статье «Искусство и банальность» заметил:
«Крайности массовой культуры вселили в них страх перед всем очевидным, даже очевидным величием, красотой, чудом».
Простое внешнее сходство между масскультом и классикой не позволяло первым современным художникам продолжать творить. Они не могли чувствовать себя настоящими первопроходцами, используя тот же инструмент, что и массовая культура, культивировавшая «открытки». Вот почему сегодняшние художники весьма редко изображают мир, хоть сколько-нибудь похожий на реальность.
Почему любить современное искусство сложнее, чем классические пейзажи и портреты?
Причина № 1. Дегуманизация искусства
Испанский философ Хосе Ортега-и-Гассет писал в одноименной работе, что дегуманизация — это процесс устранения из искусства человеческих страстей и любых намеков на окружающую действительность. Олдос Хаксли называл эти два компонента внутренним и внешним реализмом:
Ортега-и-Гассет считал, что дегуманизация — главная причина того, что публика недовольна новыми течениями в искусстве: «Для большинства людей эстетическое наслаждение в принципе не отличается от тех переживаний, которые сопутствуют их повседневной жизни». До появления совриска люди могли тешить себя возможностью узнавания и в классическом, и в массовом искусстве. А когда возникло «непонятное», пропала возможность мгновенно понять, что же происходит на картине.
С точки зрения Хосе Ортега-и-Гассета, «реалистическое» искусство, которое удовлетворяет потребностям большинства, работает так:
«Вместо того чтобы наслаждаться художественным произведением, субъект наслаждается самим собой: произведение искусства было только возбудителем, тем алкоголем, который вызвал чувство удовольствия».
Современное искусство не нравится некоторым людям именно потому, что не вызывает в них знакомых переживаний из реальной жизни. Более того, то, что изображают современные художники, совершенно не похоже на окружающий нас мир, и зрителю попросту не за что зацепиться. Разноцветные линии, в беспорядке расположенные на холсте, не вызовут переживаний, которые люди испытывают, скажем, при просмотре драмы.
Зритель попадает в непонятный мир с неизвестными правилами, и этот дискомфорт порождает в нем неприязнь.
Искусство, которое никак не связано с реальностью, вводит некоторых зрителей в ступор — и это совершенно нормально. По мнению испанского философа, люди, которым не нравится совриск, называют искусством «ту совокупность средств, которыми достигается их контакт со всем, что есть интересного в человеческом бытии». Вот почему множеству людей могут одинаково нравиться как масштабные исторические полотна XVII–XIX веков, так и комиксы «Марвел»: они понятны и вызывают интерес. Современное искусство находится по другую сторону баррикад, ведь оно не показывает ни эмоции, ни знакомое окружение.
Причина № 2. Сверхрефлексия
Американский арт-критик Клемент Гринберг много размышлял о природе современного искусства в своей книге «Авангард и китч» на примере работ Репина и Пикассо. Смотря на картину Репина, писал Гринберг, мы испытываем некие переживания, но эта наша рефлексия уже встроена в картины художника. Репин дает зрителю готовый продукт, в рамках которого он уже создал некое настроение, эмоцию и заложил их в само содержание произведения. Именно поэтому сходу определить настроение любого классического полотна вроде «Последнего дня Помпеи» Брюллова значительно легче, чем идею современной картины.
Модернист же не говорит зрителю о том, что тот должен чувствовать: «Там, где Пикассо живописует причины, Репин живописует следствие». Пикассо же рассчитывает на то, что зритель будет участвовать в конструировании идеи и настроения, которые он хотел вложить в произведение.
Сверхрефлексия — это самостоятельное определение настроения и идеи произведения искусства наравне с художником.
Обычный ленивый зритель этим недоволен, ведь он привык, что любое изображение «готово к употреблению» и ему не нужно домысливать конечный результат. Поэтому перед работой Пикассо или любого другого современного по духу художника зритель чувствует себя обманутым, словно автор не дописал картину.
Гринберг замечает: «Репин переваривает искусство за зрителя и избавляет его от усилия, обеспечивает ему короткий путь к удовольствию». Это делает его картину комфортной для восприятия. Пикассо же обращается со зрителем «по-скотски» и буквально требует от него приложить усилие, а это не каждому по душе.
Причина № 3. Разделение на просвещенных и профанов
Современное искусство, по словам Ортега-и-Гассета, антинародно: в отличие от массового, оно не соединяет людей, а делит их на тех, кто за и против. В глазах противников совриска его поклонники — это носители некоего секретного знания, которое позволяет им наслаждаться «этой непонятной ерундой».
В реальности те, кому любит новое искусство, просто стараются разобраться в том, что они видят и «что хотел сказать автор». То есть неприязнь к совриску — это антипатия к группе людей, обладающих неким недоступным нам благом. Ортега-и-Гассет точно подметил:
«Когда вещь не нравится потому, что не всё понятно, человек ощущает себя униженным, начинает смутно подозревать свою несостоятельность, неполноценность, которую стремится компенсировать возмущенным, яростным самоутверждением перед лицом произведения».
Происходит своеобразный перенос ненависти с объекта искусства на его зрителей. Современное искусство формирует публику «аристократического инстинкта»: оно «содействует тому, чтобы „лучшие“ познавали самих себя, узнавали друг друга среди серой толпы и учились понимать свое предназначение — быть в меньшинстве и сражаться с большинством».
Многие чувствуют эту закрытость «аристократов» и недолюбливают их.
Оказавшись среди почитателей совриска, негативно настроенный зритель чувствует себя не в своей тарелке, как и при просмотре непонятных ему произведений. В такой ситуации ни о каком комфорте не может идти речи.
Современное искусство пока остается непонятным для широких слоев общества — что не делает его менее ценным. Но попытки отгородиться от «чепухи» лишь отрезают путь к познанию прекрасного мира, в котором каждому найдется свое место.
Как вы относитесь к искусству
Как относиться к современному искусству?
Искусство тесно связано с «мировой идеей» и развитием технологий, но в XX веке эта идея укрепилась, зародив новые художественные формы и тенденции. Мировая идея включает в себя грандиозный исторический процесс развития и реализации возможностей[1]. Её плодами стали сюрреализм в Европе, конструктивизм в России, абстрактный экспрессионизм в Америке.
Многообразие течений и направлений в искусстве приводит к расширению термина «современное искусство». Термином «modern art» обозначали искусство середины XIX и XX веков, но к 1990 годам определения «modern art» стало недоставать, и некоторые произведения современного искусства не подпали под обозначение.
Впервые слово contemporary «современное» по отношению к искусству применила Розалинда Краусс[2].
Сontemporary art или актуальное искусство – противоречивое и мощное направление в современном мире. Глобализация и появление интернета превратили искусство в интенсивно развивающуюся отрасль, напрямую зависящую от аукционов.
В попытках понять и оценить contemporary art, многие испытывают неподдельное недоумение, созидая очередное творение художника. Несведущему человеку тяжело составить мнение о произведение искусства, многие работы наводят на мысль о нетрудоемком процессе создания и поверхностном отношении. Это пугает и отталкивает современного зрителя. Создавая иллюзию непроработанности, незавершенности, художник рискует остаться не постигнутым.
Это явление и отношение к нему общества вдумчиво и просто объяснил Виктор Исаакович Камянев[3]. «Что касается разговоров о смерти живописи – во многом здесь виноваты сами художники, безостановочно производящие тонны живописной продукции. Художники не спрашивают себя – добавит ли очередная картина что-то важное, не засорит ли она пространство ещё больше, что она – попытка движения, ответа на глубинные вопросы или просто продукт профессиональной жизнедеятельности? Да, поле живописи всё сужается, в ней уже очень много сказано – но тем интереснее задача художника. Задача, далеко выходящая за колористические рамки. Настоящей живописью, на мой взгляд, занимаются немногие, как немногие проявляют к ней интерес. Но это не делает ее маргинальным занятием, а напротив, превращает в искусство элитарное. В отличие от массовой культуры, которая предлагает человеку жить чужой (красивой) жизнью, настоящая живопись возвращает к себе, в чём, собственно, её главное предназначение».[4]
Вытягивая на полотно чувства, заставляя зрителя в первую очередь принять эмпирический аспект, художник придаёт смысл, казалось бы, несущественным вещам. Как можно оценить мир и эмоции, переполняющие нас, с помощью сочетания цветов, оттенков, преобразованных форм и геометрических фигур, новых композиционных решений?
Но чувства – загадка, человек посредством чувств, спрятанных глубоко в душе, томящихся в неволе, способен разглядеть творение, которое неподвластно пониманию.
В этом и состоит смысл работы художника – передать впечатления и чувства зрителю. Получается, художник заставляет нас с помощью искусства заглянуть вглубь себя и дать ответ, возможно, даже на тот вопрос, который ещё не звучал.
Попытка дать ответ на конкретный вопрос, превращая обыденность в увлекательное путешествие по глубинам сознания, полностью соответствует концепции Рене Магритта[5]. Он неустанно заставляет задуматься над природой чувств, соотношением карты и территории, объектом и образом, находящимся на полотне.
«Вероломство образов» принадлежит к раннему периоду творчества Магритта, картина написана в свойственном для него стиле. Идеальные линии, точно выверенные мазки и всего лишь один предмет, точнее образ предмета, и надпись, сделанная ровным каллиграфическим почерком. В картине нет загадки, двойного смысла, нарисованная трубка не может быть трубкой, которую можно потрогать. Исследованием соотношения слова и образа Рене Магритт увлёкся в конце 1920-х годов. Именно в это время рождается полотно «Вероломство образов». Слова и образы не взаимозаменяемы. Глубокая, проницательная мысль скрывается под слоем краски, изображенный предмет не является реальным. Но реальной является картина, демонстрирующая нереальный предмет.
«Знаменитая трубка. Как люди упрекали меня за это! И, тем не менее, может ли это быть трубкой? Нет, это всего лишь представление о ней, не так ли? Так что, если бы я написал: «Это трубка», я бы солгал!».[6]
Твердая незыблемая позиция, с легкостью представленная всему миру.
Многое вокруг ложь: слова, поступки, но не картина. Словно манифест «Вероломство образов» напоминает нам о действительности происходящего.
Существование картин, возможно, являлось единственной реальностью для художника. Доказательство существования собственной мысли, хоть и воплощенной с помощью бумаги и краски. Доказательство существования самого себя.
Волшебный мир, окутанный тайной и мистическими образами. Глубокая философская идея, скрываемая под слоем тысячи мазков мастера. Есть что-то сакральное в представлении мира, нереальность форм, уходящая в бесконечное пространство бытия. Сочетание обычных предметов при необычных обстоятельствах, словно вихрь образов проносящихся в голове, заставляют задуматься в реальности происходящего. Загадочная постановка в картинах, словно математическая задачка, решение которой лежит на поверхности, но никак не может прийти в голову.
Рене Магритт «Проницательность». Автопортрет. 1936
Изучением и исследованием картины «Вероломство образов», и скрывающимся за ней философским смыслом увлекся французский философ, теоретик культуры Мишель Фуко[7]. Что привело его к написанию философского трактата «Это не трубка».
Это яркий пример того, как живопись и философия прекрасно гармонируют и создают новую почву для размышления людям, нуждающимся в новом взгляде на привычные вещи.
Но это не единственный пример взаимодействия искусства с миром академических знаний. Рудольф Арнхейм, профессор Гарварда, в 1954 году написал книгу «Искусство и визуальное восприятие». В этой книге описывается использование эмпирических данных: психологические эксперименты, достижения физиологии, психологии и педагогики. Арнхейм утверждал, что современному искусству присущи проблемы эстетического построения, философско-эстетические и проблемы психологии искусства. Всё это привело, по убеждению учёного, к кризису современного западного искусства.
Современное искусство способствует развитию многих отраслей жизни человека, несмотря на противоречивость и загадочный образ, что, безусловно, приводит к положительному эффекту, так как это та область взаимодействия над причиной и следствием, о которой можно бесконечно спорить, а, как известно, в споре рождается истина.
На обложке: коллаж произведений Mark Rothko и Joan Mitchell
[2] Terminal Iron Works: The Sculpture of David Smith (1971).
Почему важно изучать искусство
На первый взгляд кажется, что искусство — это нечто вроде глазури на кексе. И о нем можно подумать только, когда разобрались со всеми другими делами. Большинство разделяет эту точку зрения. В качестве рождественского подарка люди скорее купят iPhone, чем альбом с картинами мастеров Ренессанса. Дополнительные занятия по иностранному языку или физике кажутся многим родителям более удачным выбором, чем художественный, музыкальный или театральный кружок. Однако научно доказанно, что погружение в сферу прекрасного полезно для здоровья, карьеры и личной жизни.
В этой статье Вы узнаёте, какой прок в изучении искусства для взрослых и детей.
Как искусство влияет на мозг и мышление
Нейробиологи утверждают, что общение с искусством подстегивает работу мозга и прекрасно готовит его к занятию точными науками, в первую очередь развивая необходимую для познания концентрацию. «Центр прекрасного» располагается в префронтальной коре головного мозга — самой молодой в эволюционном отношении его части, которая отвечает также за аналитическое мышление.
Способность творить и чувствовать эмоции от созерцания арт-объектов — это то, что отличает человека от животного.
Изучение и занятие искусством питает сенсорные, когнитивные, эмоциональные и двигательные способности — то есть фактически является «движущей силой любого другого обучения».
Связь искусства и здоровья
Психиатры и психоаналитики ещё в прошлом веке установили, что творческая деятельность обеспечивает здоровье человека. Современные ученые это подтверждают.
Исследовательский центр по искусству и культуре при американском Национальном центре творческого старения определил, что люди, которые занимаются искусством, живут дольше, меньше страдают от одиночества и депрессии.
В 1938 году художником Адрианом Хиллом был придуман термин «арт-терапия». Во время работы с больными туберкулезом он заметил, что во время занятий живописью пациенты начинают чувствовать себя лучше. С тех пор арт-терапия нашла повсеместное применение.
Также была выявлена интересная связь: когда человек смотрит на какой-либо предмет искусства, активизируется деятельность мозга и художника, и зрителя.
Изучение искусства способствует развитию вкуса и стиля
Невозможно оценить произведения Бетховена, если всю жизнь слушать исключительно посредственную игру на баяне. Чтобы полюбить классическую музыку, необходимо ее слушать систематически, и желательно с нужным объяснением. Только в этом случае можно будет с уверенностью утверждать о предпочтении игры на баяне — с уверенностью, потому что знакома и другая музыка.
Не существует определённой парадигмы узнавания шедевров, и нереально за пару занятий стать искусствоведом, но познакомиться с историей искусств нужно, чтобы понимать, что действительно нравится, чтобы неожиданно открыть в себе любовь к Палладио и Беллини, хотя казалось, что всегда были по душе только «мишки» Шишкина.
Приобретённый вкус постепенно начнет помогать в обустройстве дома, при выборе ресторана и во время шоппинга.
Поэтому, если у Вас есть мечта стать стилистом либо собирать стильные образы для повседневной жизни, то необходимо изучать историю искусств для развития художественного вкуса.
Если же Вы задумываетесь о будущем своего ребенка, то не имеет значения, кем он станет — юристом, художником, программистом или музыкантом. Живопись, архитектуру, скульптуру необходимо изучать, чтобы иметь понимание, что действительно нравится. Мир искусства очень разнообразен, невозможно судить о нем, зная только Шишкина и Васнецова.
Искусство и высший свет
Каждый, кто входит в светское высшее общество, понимает важность глубоких знаний в искусстве. Если вы занимаетесь нетворкингом и готовы выйти на уровень самых успешных и знаменитых, то вам необходимо уметь поддержать светскую беседу об архитектуре, живописи, музыке. И если у Вас нет познаний в данной сфере, и Вы не можете даже отличить Моне от Мане, то Вы рискуете быть восприняты как совершенно необразованный человек, с которым никто не хочет иметь дел.
Люди, которые достигли определенного финансового и жизненного уровня, обязательно начинают интересоваться искусством — это закон.
Поэтому, если хотите иметь бизнес или найти партнёра среди людей высшего общества, изучайте искусство и всесторонне развивайтесь.
Зачем предпринимателю изучать современное искусство
Конечно, деньги можно заработать, совершенно не разбираясь в искусстве. Подобных примеров множество. Но для предпринимателя определенного уровня изучение искусства — это вопрос расширения человеческого потенциала. Необходимо понимать целевую аудиторию своего бизнеса, разбираться в трендах современного общества, чтобы успешно вести дела.
Я не верю в возможность понимать классическое искусство, не разбираясь в искусстве своего времени. Такое просто невозможно. Если у человека нет интереса к современному искусству, он очень мало понимает в современности. Такой человек проживает где-то на обочине жизни, и нерв происходящего пульсирует от него далеко.
Современное искусство предоставляет возможность вращаться в совершенно разных сферах и заводить неожиданные контакты. Мой давний друг — очень серьёзный бизнесмен. Он владеет огромной IT-компанией с офисами по всему миру. В своё время он налаживал дела в Силиконовой долине, и отношение к нему сперва было такое: если из России, значит, ты нечестный человек или вовсе бандит. Хотя он является владельцем современного высокотехнологичного бизнеса. Через несколько лет он стал представлять себя как коллекционер современного искусства. И отношение к нему кардинально изменилось.
В Лондоне есть закрытый клуб, куда вхожи только покровители искусства. Ваше состояние не имеет значения: если Вы не являетесь меценатом и не имеете отношения к сфере прекрасного, Вас туда просто не пустят. Отсутствие дизайна, помещение с деревянными столами, простой посудой и изрисованным лифтом. Но в этом месте Вы можете удачно встретить определенных людей. И подобных мест множество. Например, часто проводятся закрытые вернисажи, где присутствуют и художники в ободранных джинсах и мятых футболках, и люди, входящие в список «Форбс». Поэтому, если говорить про пользу современного искусства, то оно еще и очень хорошо расширяет диапазон контактов.
На искусстве можно хорошо заработать
Стоимость произведений искусства стабильно увеличивается на 25% ежегодно, только последние 40 лет показали ее рост на 1 000%.
Кроме большой потенциальной доходности от покупки арт-объектов (последние 10 лет она составляет 226%), инвестиции в сферу прекрасного имеют ряд дополнительных преимуществ:
Существует множество способов зарабатывать на искусстве: аукционы, онлайн-галереи, создание школы искусств или онлайн-сервиса. Многим людям знания об искусстве в своё время позволили сменить профессию и открыть успешный бизнес.
Изучая искусство, Вы сможете лучше развить воображение, креативность, найти новых друзей и единомышленников.
Подписывайтесь на клуб искусств в Инстаграм artclub.oliaraoulia
Там уже в январе стартует мой новый авторский курс «Искусство для светской жизни».
И помните — искусство делает людей счастливыми!