Как выглядит художник в берете
Почему считается, что хороший художник должен быть бедным и несчастным
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
Если сразу обратиться к фактам, то Юнеско, к примеру, определило период между написанием картины и ее мировым признанием (конечно, вообще при условии, что она будет признана) в 50 лет. Огромный срок, если рассматривать его в контексте человеческой жизни, а не мировой истории. Уж не потому ли большинство художников, так и не получив признания при жизни, умирали в нищете? А значит этот стереотип ни что иное, как жизненное наблюдение, народная мудрость.
Причем этот принцип подходит не только в случае с художниками и их творениями, а для любого творца и новатора. Будь это творческий человек, математик или программист. Общество и рыночная экономика далеко не сразу принимает что-то концептуально новое. Конечно, если говорить о художниках, то если этот творец разукрашивает то, что продается сейчас, то он может зарабатывать, однако стоит заявить о новаторстве, то все скептически подожмут губы. Потому, есть большая разница в том, работает художник на века или для рынка. Впрочем, есть и примеры, которые доказывают, что одно другому не мешает.
Но факт остается фактом, гениальные творения создаются после обычной работы, причем последняя вовсе не отличается возвышенностью. Однако далеко не все творцы столь мудры, как правило, обладая сложным и импульсивным характером, они не соглашались на подобные компромиссы, что и обрекало их на бедное существование.
Бедняки и любители долларов
Сальвадор Дали называл себя «Любителем долларов», тем самым обрисовав собственные амбиции. Он превратил свое имя в бренд еще при жизни и активно им пользовался. Безусловно, без его таланта внимание бы к нему привлечено не было, но стоит отдать должное, тому уровню хайпа, которым он себя окружал, позавидовали бы и современные знаменитости. Чего только стоит его история с супругой Галой. Ведь остальные мужчины бы посчитали позорным разглашать такие подробности о своей семейной жизни, но Дали охотно рассказывал всем, в том числе и в интервью, что супруга живет с любовниками в соседнем замке, а сам он к ней приходит только по приглашению.
А эта история, которая получила широкое распространение? Дескать, Дали, когда расплачивался за ужин в ресторане, на оборотной стороне делал небольшой рисунок. Такой чек для ресторана стоил дороже, чем сам обед, поэтому никогда не обналичивался. Для художника же не стоил ничего.
Несмотря на то, что он никогда не работал за низкую оплату, заказов набирал всегда огромное количество. Зачастую это приводило к тому, что он обрушивал собственный рынок, снижая себестоимость отдельной работы. Однако вместо того чтобы взять тайм-аут, он начинал работать еще больше, буквально заваливая рынок картинами, эскизами, иллюстрациями, проектами для мебели.
Когда остальные знаменитости еще даже не задумывались о съемках в рекламе, Дали уже рекомендовал с экранов покупать шоколад определенной марки. Затем была реклама марки машины, авиакомпании и даже жевательной резинки. Однако настоящий скандал на таможне раскрыл отношение дали к деньгам – уж очень он их любил.
Ощутимый доход ему приносили графики, подлинность которых он подтверждал собственной подписью. Но, как оказалось, рисовать каждую отдельно он и не собирался. Их печатали металлической пластиной, а пустые листы, подписанные метром, заготавливались заранее. Именно их в количестве 40 тысяч экземпляров и обнаружили на таможне. Листы стоили дешево, зато Дали подписывал их очень быстро. В среднем, за час он мог наподписывать на 70 тысяч долларов.
В начале 20 века сообщество художников негласно разделилось на тех, кто работал (по-крайней мере стремился) работать столь же финансово продуктивно как Сальвадор Дали, и на тех, кто чтил исключительно непризнанных нищих гениев как Винсент ван Гог. За свою жизнь за более менее приличную сумму в 400 франков он продал единственную свою работу «Красные виноградники». Все остальные работы были оценены уже после его смерти. Он не просто не сумел заработать, он даже не мог обеспечить себе сколько-нибудь достойное существование.
Его родные всегда его осуждали, общество не понимало и не принимало, а единственное, что его утешало – это была живопись. Он очень много работал, хотя работой это назвать нельзя, ведь плату за картины он так и не получил. Разве что в качестве оплаты можно принять посмертную известность и вечность в памяти потомков?
Ван Гог писал, что если он мог заработать хотя бы тысячу франков в год, то стал бы заниматься живописью в полную милу и с еще большим удовольствием, но этого не произошло и гениальный художник ушел с обидой и непризнанным талантом.
Идеализированный образ голодного художника
Если быть откровенным до конца, то не только сами художники приложили руку к тому, чтобы идеализировать образ непризнанного гения. Франц Кафка в рассказе «Голодарь» описывает мужчину, который весьма своеобразно относился к искусству (впрочем, как и сам Кафка) и вся суть его самовыражения была в голодовке. Сейчас бы это назвали перфомансем, но видимо в ту пору их не очень-то воспринимали, потому люди поглазели, поглазели, на умирающего с голоду артиста, а потом и вынесли с кучей соломы его тело.
Кафка весьма иронично демонстрирует свое отношение к союзу «художник-деньги», полагая, что настоящий гений и творец должен страдать, «голодать» за свое видение искусства. А если он хорошо зарабатывает, сыт, благополучен и в ладах с действующей властью, то он прислужник капиталистов. Настоящий же гений всегда безызвестен при жизни и желательно нищ.
Кнут Гамсун в своем романе «Голод» тоже приложил руку к созданию этого же образа, описав писателя с галлюцинациями от голода. Хемингуэй тоже считал, что писатель должен быть голодным, чтобы лучше думалось о вечном, чтобы быть на ступень выше своих отобедавших читателей. Впрочем, сам писатель славно отдыха на курортах и жил припеваючи, ничуть не стремясь к аскетичному образу жизни.
Возможно, бедность в какой-то степени развязывает руки создателям картин и не только. Художник, никем не признанный, будет творить в том русле, которое ему близко, не стремясь произвести впечатление на критиков, без учета пожеланий будущих покупателей и много другого. У него есть возможность экспериментировать без оглядки на мнение коллег, он не боится того, что публика не одобрит (она уже не одобрила), он пускается в постижение глубоких тем и вечных ценностей. Не это ли является необходимыми условиями для создания шедевра?
Другие воспринимают бедность как свободу, ведь если художник отдает всего себя живописи, не утруждая банальной и рутинной работой на рынок, то у него гораздо больше времени для экспериментов и собственно живописи. Пабло Пикассо говорил, что «вдохновение существует и приходит во время работы». То есть не стоит лежа на диване ожидать прихода музы, которая за руку поведет к холсту и позволит нарисовать шедевр на миллионы.
Рок-музыкант Ник Кейв говорил, что вдохновения и вовсе не существует. Называя творчество работой, он ничуть не умалял роль таланта. Но одного таланта мало, нужна усидчивость и работа. Много работы. Только в таком случае случаются гениальные вещи. Потому рекомендация «творить вечность после работы» это скорее теоретическая формулировка, в реальность практически невоплотимая.
Страдания и страх для художника
Единственное, чего ждут все без исключения от любого произведения искусства – эмоции. Радость, восторг, ужас, отвращение, страх – не суть важно, главное, чтобы от картины исходила энергетика, а иначе, зачем это все? Может ли художник, который выспался, плотно и вкусно позавтракал, у которого дом полная чаша, любимая супруга хлопочет над обедом, а дети (обязательно здоровые и разнополые) наполняют дом (непременно светлый и просторный, выстроенный за собственные гонорары)своими голосами и смехом, вдруг создать шедевр, который бы выворачивал чужие души наизнанку? Сомнительно.
Многие художники намеренно копят негативные эмоции: страх, злость, обиды, они помогают придать их творчеству необходимый уровень энергетики и остроты. Однако эти беды не имели отношения к их таланту, скорее вытекали из их социального положения и образа жизни. Тот же ван Гог с детства страдал психическими расстройствами и страдания были частью его жизни.
Нередко гении обладают психическими расстройствам. Последние, несмотря на то, что по факту уничтожают личность, в лучшие периоды, могут стать причиной и основой создания шедевров или научных открытий. Но достаточная ли это плата за годы страданий, терзаний, тревог и депрессий? Шизофрения, биполярные расстройства, тревожность, депрессия – все это может и толкает человека к выражению через искусство, но делает жизнь, как самого человека, так и его близких попросту невыносимой. Нередко жизнь гениев обрывалась самоубийством – еще одно свидетельство того, что страдания были невыносимыми.
Российская художественная артель
В 1963 году российскую Академию художеств покинуло аж 14 художников. Да к тому же со скандалом. Им не дали возможности выбрать сюжеты картин, которые должны были быть представлены на конкурс. Такое количество художников, знакомых друг с другом и вдруг освободившихся от основного занятия, решили основать свое сообщество. Они объединились в артель и пытались зарабатывать тем, чем умели – написанием картин, в том числе и на заказ.
Они даже давали своеобразную рекламу в газеты с указание списка услуг, которые они предоставляют и их стоимость. Ассортимент услуг был весьма разнообразен, писали художники и иконостасы, и портреты, и живопись. И все это и масляными красками, и акварелью, и пастелью. Предлагались также услуги репетиторов.
Жизнь в артели обходилась художнику примерно в 25 рублей в месяц, а коллективный поиск заказов был весьма неплохой идеей и приносил неплохую прибыль. Например, цена на портреты начиналась от 75 рублей и выше. В большинстве своем цена зависела от опыта и таланта художника, его имени, а не размера полотна.
Многие художники, чьи полотна относятся к мировым шедеврам и сейчас оцениваются в целое состояние, на самом деле были созданы мастерами, творящими искусство ради искусства. Их сознание, не укладывающееся в рамки нормальности, а потому и непризнание их таланта при жизни, для многих стали причиной того, что их имена увековечены в анналах истории. Потомки, будто бы чувствуя вину перед гением, культивируют его талант, видят в его творениях Божью искру, а трагичная история о его бедности и лишениях лишь дополняет общую картину.
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:
Любимец художников и военных: изучаем биографию берета
Сейчас будет сделано громкое заявление: герой апрельского модного расследования — самый красноречивый и узнаваемый головной убор всех времен и народов
Его любят художники и танкисты, рыбаки и клоуны, лирические героини классических произведений и вполне реальные актеры и актрисы, революционеры и растаманы, шотландцы и французы, модники и консерваторы. Речь пойдет о берете, универсальной стильной единице, которая обязана быть в гардеробе каждого.
Скромная шапочка с узнаваемым хвостиком посередине, без козырька и полей в представлении большинства — это истинно французский головной убор. Ничего удивительного: мы мыслим образами, а образ милой девушки в шарфике и красном берете, безусловно, запоминается надолго. Да и слово berete пришло в русский язык из французского. Казалось бы, все сходится. Правда, сами французы сильно бы удивились, узнав, что плоская шляпа стала в глазах общественности чуть ли не символом их страны наряду с Эйфелевой башней. На самом деле история началась задолго до того, когда на карте обозначилась Франция.
Первый блин
Странно, но у берета нет официальной родословной. Зато версий его происхождения хоть отбавляй. Существует даже библейская легенда, согласно которой берет «изобрел» Ной. Во время путешествия на ковчеге начался дождь, и чтобы не намокнуть — мужчина вырезал из свалявшейся овечьей шерсти, устилавшей палубу, круг, которым прикрыл голову. Тут нам не только истоки берета, но и начало истории войлока, из которого, к слову, были сотканы первые плоские «модели».
Не могли остаться в стороне и греки с римлянами. Согласно греко-римской версии, берет был изобретен первыми и позаимствован (как и многое другое) вторыми. Во времена империи убор был назван beretino и окрашен в разные цвета, которые означали классовую принадлежность. Так этот аксессуар стал указывать на происхождение своего хозяина. Спустя столетия берет добрался до Страны Басков, а уже оттуда — к галлам, будущим французам. Кстати, в итальянском языке он именуется basco, что косвенно подтверждает правдивость этой истории.
Наконец, третья версия связана с пастухами-кельтами, которые из овечьего войлока, окрашенного в синий цвет, сваляли себе узнаваемые шапки и увенчали свое произведение помпоном. Шапочки полюбились шотландцам так сильно, что были официально признаны частью национального костюма. Появилось у прото-беретов и свое название, тэм-о-шантер, которое иногда заменяли более простым именем — синяя шапочка. Это милое имя часто упоминается у шотландцев.
Выбор короля
До определенного времени простецкий «блин» из войлока спасал от непогоды пастухов, рыбаков и землепашцев средневековой Европы. Почему вдруг берет пошел на повышение и стал излюбленным аксессуаром знати, остается неизвестным. Но на этот факт указывают многочисленные книжные миниатюры и указы, в которых берет упоминается как главный головной убор военных. Также он стал частью облачения священников. Чтобы отличаться от простолюдинов, религиозные деятели носили четырехгранные плоские шапочки.
К XVI веку и вовсе складывается ситуация «из грязи в князи», когда шапочку простолюдинов «выводит в свет» известный модник, король Англии Генрих Восьмой. Пожалуй, вы не найдете ни одного его портрета, где бы правитель был без берета. Очевидно, у Генриха была целая коллекция: бархатные, шерстяные, украшенные жемчугом и драгоценными камнями, перьями птиц и ручной вышивкой. Именно с его подачи берет стала носить вся аристократия английского двора. Воспылали страстью к этой шапочке и французские придворные. А вот испанцы остались равнодушны к модным экспериментам Генриха — но ненадолго. Уже через век они сдались и трансформировали кельтскую тэм-о-шантер в узнаваемую модель, которую мы носим до сих пор.
Диктат берета длился недолго: уже в XVII веке на модном олимпе его сменила треуголка. Круглым шапочкам остались верны лишь шотландцы да армейские подразделения. И это повод сказать об отношениях военных и беретов особо.
Боевой товарищ
Удивительным образом наш герой вернул себе былую славу благодаря европейским вооруженным силам, а именно французским танкистам, которые начали «выгуливать» его и вне строя. Впрочем, не они были первыми: ввели использование этого головного убора среди военных британцы. Государство очень чутко следило за униформой своих солдат, и после каждой войны (которых Англия вела бесчисленное множество) менялось боевое обмундирование.
До берета в английской армии командовал шлем с пикой, еще ранее — кивер. Но в этих высоких шапках невозможно было разместиться внутри тесного танка. Жесткие поля, тульи, козырьки — все это не подходило для нового рода войск. Звездный час берета наступил в мае 1918 года, когда высокопоставленные армейские чины, в том числе некий генерал Эллес, обсуждая будущее танковых войск, решили позаимствовать его у французских егерей. Черный цвет, кстати, был выбран не случайно: на темном фоне были незаметны масляные пятна, которые неизбежно появлялись на любой одежде танкистов.
Уже после окончания Первой мировой войны тот самый Эллес, обожавший береты, пролоббировал их официальное появление в униформе танкистов. Главным аргументом стал тот факт, что мягкий головной убор можно использовать как самостоятельно, так и под шлемом. Черный цвет был принят на высоком уровне и утвержден указом его королевского величества. Ко Второй мировой палитра расширилась, но черный остался символом бронетанковых войск, причем не только в Англии, но и по всему миру.
Впрочем, удобство и практичность аксессуара оценили не только танкисты. Знаменитая английская Специальная авиадесантная служба выбрала себе песочный цвет (как символ пустыни, где приходилось воевать сасовцам). Знаменитые «вишенки» (или cherry berry), английские парашютисты, получили свое ласковое прозвище из-за вишнево-бордового цвета своих беретов.
Наша страна также ввела кельтскую (или баскскую?) шапочку в официальную форму армии. В современной России аж шестнадцать расцветок, которые указывают на род войск. Самые узнаваемые, конечно, так называемые краповые береты — спецназовцы внутренних войск, которым право ношения своего головного убора необходимо заслужить в жесточайших испытаниях. Вопреки уставу, указывающему носить береты с уклоном на правую сторону, лихие бойцы специального назначения носят их на левую — для того чтобы отличаться от других военных подразделений.
Но герой наш ассоциируется не только с армиями мира. Ему отдавали предпочтения люди куда более мирных профессий.
Творческий подход
Казалось бы, как могут быть связаны солдат и художник? Да-да, таких разных людей объединяет ношение берета. И если военные иногда просто вынуждены надевать плоскую шапочку, творцы выбирают ее по велению сердца.
Так, самым знаменитым поклонником тэм-о-шантер можно назвать голландского живописца Рембрандта. Сохранилось большое количество его автопортретов в шикарных беретах и шапках, похожих на них. Уважали этот головной убор и Леонардо да Винчи, и Рафаэль. К слову, представители творческих профессий не отказались от ношения беретов даже тогда, когда придворная мода на них сошла на нет. В семнадцатом веке в них блистал Ян Вермеер, автор знаменитой «Девушки с жемчужной сережкой» (при этом не только носил сам, но и изображал в этих шапочках персонажей своих картин). Ближе к двадцатому веку аксессуар окончательно стал признаком творческой элиты: в нем появлялись Роден и Ренуар, а Пабло Пикассо сделал черный лаконичный берет фирменной чертой своего образа.
К слову, есть тот, в ком соединились присущие творцам максимализм и стремление сделать этот мир прекрасным, страсть к борьбе и военным действиям — и, конечно, и беретам. Естественно, мы говорим про самого знаменитого революционера в истории человечества — команданте кубинской революции Эрнесто Че Гевару. Его простой черный берет с медной пятиконечной звездой стал неотъемлемой частью имиджа настоящего супергероя двадцатого века.
Почему художники носят берет
Для многих из нас образ художника будет незаконченным, если на голове его нет берета. Этот головной убор наряду с мольбертом, палитрой и кистями воспринимается нами как постоянный атрибут жизни любого живописца.
Но почему именно берет, а не шляпа или, допустим, цилиндр? Есть несколько версий, объясняющих это.
На большей части автопортретов Рембрандта он изображен с беретом на голове.
Возможно, именно в подражание ему художники стали носить этот головной убор. В знак цеховой солидарности, так сказать. Так и пошла своеобразная «мода» на береты среди мастеров кисти.
Конечно, сам берет изобрел не Рембрандт. Этот предмет одежды появился ещё в античные времена. Но, тем не менее, после Рембрандта мода в повседневной жизни на береты уходила и приходила, а вот любовь художников к ним не уходила никогда.
Согласно другой версии берет стал частью гардероба из-за их… бедности.
В давние времена частые обновки могли себе позволить лишь очень состоятельные люди. Одежду передавали по наследству и в буквальном смысле донашивали до дыр.
Берет был вполне бюджетным вариантом головного убора. Материала для него много не нужно, особых умений для шитья тоже. И главное, он долго носился.
Художники в те времена (да и в нынешние тоже) относились к бедному сословию. Поэтому вполне возможно, что берет их, как и других бедняков, привлек своей практичностью.
Впрочем, дешевизна и изностойкость – не единственные плюсы берета для художника. Берет помогал «прибрать» длинные волосы, чтобы они не мешали работе.
Этот головной убор в повседневной жизни сегодня носят только женщины и… художники. Возможно, таким образом живописцы показывают, что они – вне времени и вне любых рамок.
Эволюция беретов художника.
Федот Сычков. Художник
Шикарные картины Федота Сычкова. Вам понравится).
Сычков Федот Васильевич (1870-1958)
«Быстрый этюд с деревьями »
С дочерью
Как Мане провалился с картиной, но в итоге превратил ее в два шедевра
Как вы знаете, Мане еще до импрессионизма любил экспериментировать со своими работами, чем не раз навлекал на себя ушат критики и ехидные смешки зрителей. В 1864 художник отправил в Салон полотно «Эпизод из боя быков», где в который раз решил поиграть с перспективой.
И в пух проиграл. Критики хохотали – что за крошечные быки нынче живут в Испании? Казалось бы, опять не поняли гения, который потом всем все докажет. Но в тот раз Мане действительно перемудрил с композицией и масштабами.
«Тореадоры, кажется, просто смеются над крохотным бычком, которого они могли бы легко раздавить каблуками», — писал Гектор де Каллиас. Не знаю, зачем я вставил его имя сюда, для веса наверное. Все-таки забавно, что творцы остаются в истории, а большинство критиков пропадают с ее страниц. Так, немного отвлекся, вернемся к нашему Мане.
А другую часть довел до ума – и таки получил в итоге свой шедевр. И не один, а сразу два!
К слову, насколько разный контекст меняет наше восприятие. Если раньше «Мертвый тореадор» как будто спал рядом с быком, то после изменений это вполне себе драматическая картина в духе Гойя или Веласкеса.
Искусственный покойник вызывал только смех, а теперь в школе вполне могут дать задание написать трагическую историю про храброго тореадора:
Кстати, этот образ он изначально брал у Веласкеса (как думал Мане), но оказалось, что списал его у неизвестного итальянского художника. Вот, сравните.
Но теперь надо как-то реабилитировать Эдуарда. Уже в следующем году он снова напишет похожий сюжет, и теперь критикам останется только кусать локти. Ну, когда импрессионизм признают, конечно же))
А первые две картины теперь висят в крупнейших галереях США и радуют зрителей. И смеется уже Мане)
Больше интересных историй из мира живописи можно посмотреть в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo
«Зимняя дорога »
Холст на картоне, 18х24
Портрет
Кошачьи миры Луиса Уэйна: любовь, котики, безумие и еще больше котиков
Недавно смотрел фильм «Кошачьи миры Луиса Уэйна», решился на просмотр по двум причинам: Бенедикт Камбербургер в главной роли и котики. Ну и еще читал про художника, было интересно – что покажут в фильме?
Давайте подробнее обсудим удивительную жизнь художника и большего любителя котов!
Сразу предупреждаю – спойлеры. Потом не жалуйтесь, что вас не предупреждали. Хотя это фильм биография, все давно известно и описано, но все же. Я не редиска.
Итак, в чем соль? Жил-был в викторианской Англии аристократ Луис Уэйн, хотел изучать все и сразу, умел недурно рисовать и выращивал усы для маскировки заячьей губы.
Семья тем временем погружалось на долговое дно: глава семейства умер, содержать мать и 5 сестер был вынужден Луис, никогда не проявляющий успехов в заработках. Но это же аристократы – они еще и взяли к себе гувернантку, Эмили. С ней и сошелся наш герой, что вызвало скандал: разница в социальном положении, так она еще и старше на 10 лет!
И только молодая семья обосновалась в новом доме, новый твист – у Эмили рак груди. Детей завести не успеют, но зато забирают домой уличного котенка, он и заменит им ребенка. Питер (котенок) стал самым доступным натурщиком для художника, а потом чуть ли не главной музой. А свое имя он получил в честь Петра I, просто забавный факт.
В 1887 году журнал The Illustrated London News опубликовал 150 котов Уэйна в специальном рождественском выпуске. Коты, большинство из которых подозрительно похожи на Питера, моют посуду, участвуют в застольях и танцуют, короче котики ведут себя как люди. Как вы уже поняли, это разрыв и сенсация.
Но пока он пытается утолить тоску в активной защите прав животных и активно творит – до 600 рисунков в год, всевозможные статуэтки и фигурки, иллюстрации к книгам и не только.
Книжки, о которых мечтали все английские дети:
Дальше в жизни Луиса Уэйна были взлеты и особенно больные падения: приемлемые гонорары (но все равно скромные для такого явления, как массовое помешательство на тех рисунках) прерывались попаданием в глубочайшие долговые ямы и прогорание инвестиций, была и поездка в США, и патриотический кот в Первую мировую войну, была и утонувшая в подлодке огромная партия фарфоровых фигурок…
Томми Кэткинс, котик времен Первой мировой войны:
В какой-то момент поведение Уэйна стало меняться – из добродушного и милого мужичка он превращался в злобного и агрессивного хрыча с приступами и безумными поступками. Так он оказался в психбольнице довольно скверного качества, где его отыскали журналисты.
Тут любители кошек показали свою отзывчивость. Акция поддержки на всю страну, сбор средств – и вот наш герой уже в респектабельной больнице спокойно проводит свою старость и тихонечко творит. До конца жизни он продолжил рисовать любимых котов, но теперь не было этой гонки и бесконечных долгов, только чистое творчество.
Один из сюрреалистичных котов:
И еще. Часто его называют шизофреником, но это не так. Безусловно, расстройство у него было, но его стиль не сильно менялся – он в года болезни часто рисовал в своем старом стиле, чего не могут шизофреники. Почему я решил выделить этот момент: существует целая коллекция «От милого до безумного» из 8 его рисунков, якобы показывающая развитие шизофрении у человека и изменение его восприятия. Только рисунки разбросаны по годам, а состав коллекции вызывает вопросы.
«От милого до безумного»:
Просто как и любой творец пробовал расширить границы своих работ, ну и его многочисленные теории об электричестве тоже повлияли. А вот сам Луис повлиял на совсем другое отношение общества к пушистым друзьям: после всех его кампаний по защите животных еще можно было отмахнуться от котов, но как можно отказать этим пирожкам с работ Уэйна)
В своих работах Луис показывал поведение людей через пушистые метафоры. Вдохновляясь событиями и двуногими кожаными мешками вокруг, он пропускал все через свой удивительный мир и делился кусочком волшебства. Часто он и подсмеивался над новой модой или поведением, но всегда получалось добродушно, без злобы. А люди все сильнее проникались любовью к кошкам и начали все чаще заводить их дома как домашних питомцев.
Важные коты за важным делом:
Закончу словами Герберта Уэллса про Луиса Уэйна: «Он присвоил себе кошек. Он изобрел кошачий стиль, кошачье общество, целый кошачий мир. Английские кошки, которые не выглядят и не живут как коты Уэйна, должны стыдиться самих себя».
Луис Уэйн и один из пушистых друзей в 1890-е:
Бенедикт Камбербэтч в роли художника и сам Луис Уэйн:
P.S. Про фильм так и не сказал – к просмотру могу порекомендовать (особенно, если любите драмы), иногда отдает совсем артхаусом, но смотреть было интересно.
Больше интересных историй из мира живописи можно посмотреть в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo
«Плот «Медузы» Жерико, или рождение романтизма
Картина основана на реальных событиях. В 1816 году фрегат «Медуза» сел на мель, сдвинуть корабль не удалось и поэтому были выделены шлюпки для ВИП-гостей, а остальных 149 человек посадили на наспех сделанный плот. Шлюпки, которые должны были буксировать плот, бросили этих людей и оставили наедине с морем.
Очень скоро люди начали терять человеческий облик. Борясь за безопасные места у мачты и последние капли воды, они дрались, убивая друг друга и сталкивая в воду. Лишь через 13 дней они увидели на горизонте спасительный корабль «Аргус» – именно этот момент запечатлел Жерико. Из 149 в живых остались 15 человек, выжившие ели умерших попутчиков, потеряв последние признаки цивилизации.
Процесс подготовки к ваянию романтизма был любопытный. Жерико закрылся в мастерской на несколько месяцев, побрив голову. На полу мастерской он лепил восковые тела и ходил в морги и на казни для зарисовок мертвых тел.
Главным достижением Жерико стала сложнейшая композиция. Художник развернул композицию вглубь. Картина затягивает зрителя к себе. Обратите внимание на труп у нижнего края картины – создаётся впечатление, что его погружённая под воду голова уходит как раз под раму и оказывается в нашем, реальном, пространстве. Можно сделать шаг и оказаться в самом центре событий.
Теодор Жерико, автопортрет:
Эжен Делакруа, другой титан романтизма, признавался, что, увидев картину впервые, «в восторге бросился бежать, как сумасшедший, и не мог остановиться до самого дома».
Больше интересных историй из мира живописи можно посмотреть в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo
» Скоро весна »
Брат 2
Я ничего не понимаю в живописи
Училась я в университете, были и академический рисунок, и живопись. На которые раз в неделю мы сдавали домашнюю работу, по 35 набросков.
Однажды меня взял с собой на этюды местный художник. Я внимательно вырисовывала все веточки и листики, старалась. Смотрит художник на мои старания, говорит:
-Ну чего так несмело? Это ж акварель! Воды! Цвета! Вот так!
взял кисть, «поправил» как надо. Продолжила активно делать как он сказал. Смотрю на свои работы, думаю: «Ну и мазня, в детском саду лучше рисуют. «. Запрятала я этот кошмар в папку поглубже, чтобы никто никогда не увидел мой позор.
Через неделю сдаю наброски (не с этюда, а то, что дома делала), и слышу от преподавателя по живописи:
— Серенько, вяленько, впрочем, как всегда. А ну-ка, что это тут?
И вытаскивает те этюды, заметил яркий уголок. Я готова была провалиться от стыда, думала, обсмеёт. Но нет, посмотрел внимательно работы и говорит:
-Ну вот! Отличные же работы! Можешь же!
И тогда я поняла, что совершенно не разбираюсь в живописи.
Старое фото
Отсканировала старое фото. Пленка очень долго лежала. Фото девушки из параллельной группы, я уже не помню её имени. Фото похоже на старинную картину. Захотелось поделиться
Лайфхак с мелом у доски
Уолтер Левин, профессор Массачусетского технологического института, известный своими лекциями по физики, говорил:
«Сегодня сотни моих лекций можно найти в интернете…Каждый день их смотрят около 6 тысяч человек. Это 2 миллиона в год. Ежедневно на мою почту проходит около двух десятков писем со всего мира. Многие задают вопросы, и я всегда отвечаю. Но удивительно, что многие профессоры физики хотят знать, как рисовать эти пунктирные линии»
Видео про то, как рисовать пунктирные линии мелом на доске так, как это делает Уолтер. Быстро, ровно, с эффектным звуком, от которого студенты в восторге:
Так просто всё начиналось.
Как я делала витраж. 3
Всем привет! Сегодня расскажу Вам про работу, которую я делала вместе со студенткой. Напомню, что моя витражная мастерская находится на базе Института Искусств. И иногда я работаю со студентами. Это её курсовая, но т.к. для курсовой этот объем большой, мы делали всё вместе. Очень необычная работа, в разных техниках. Ниже расскажу подробнее. Эскиз который она нарисовала, это наши будущие двери.
Стекло порой выбрать очень сложно, какое же оно всё красивое! Вот такое мы выбрали. Нарезаем его по размерам наших дверных проёмов.
Вырезаем по шаблонам детали, которые позже отправятся в печь.
Середины у этих деталей невозможно вырезать стеклорезом, вырезаны они алмазной струной.☀️
Техники- Фьюзинг(спекание в печи), УФ, имитация Тиффани(свинцовая лента), заливной витраж.
Обтачиваем на шлифмашинке, в тех местах где неровности, чтобы они были идеальны(т.к. они отправятся в печь, это делать не обязательно, но мы дотошные и хотели чтобы всё было идеально)
Детали моём, сушим и кладём в печь. Здесь некоторые детали пошли на второй обжиг, мне захотелось поставить температуру больше, чтобы края были более плавные.
Чем это покрыты некоторые кусочки стекла? Они покрыты специальной волшебной штукой, которая не даёт стеклу становиться матовым, такое у многоцветного(опалового) стекла бывает.
Ещё тепленькие, комфортно расположились на картоне.
Обжиг был при температуре 760 градусов.
Вот так стекла выглядят уже с приклеенными деталями на УФ клей.
Теперь приклеиваем свинцовую ленту, она бывает разная, нам подошла чёрного цвета.
Состав ленты схож с припоем, только плавить его не надо, он продаётся в катушках с одной клеевой стороной. Перед поклейкой стекло необходимо хорошо помыть, обезжирить, высушить, иначе провал.
Ленту необходимо не только приклеить, но и тщательно пригладить специальными резиновыми валиками, а края ленты пластиковой лопаткой
Чтобы ленты смотрелись аккуратно и максимально напоминали паяные швы, подрезать их нужно под определённым углом и накладывать друг на друга по системе, которую необходимо заранее продумать.
Ну никуда без этого!))
После того как мы нанесли, прогладили свинцовую ленту с двух сторон стекла, начинаем заливать витражной краской. Краска выбрана не из дешёвых, даже не смотря на то, что на витраж не будет попадать солнечный свет(краска может выгорать)
Как всегда витраж в процессе корректируется и мы не стали использовать наши «леденцы» Они смотрелись лишними.
Вот так выглядят стекла уже установленные в двери. Цвета стали более прозрачными и натуральными.
Юхууу. Мы довольны работой, курсовая защищена на 5!
Этот парень знает, как правильно обращаться с ножом
Натурщица
Анастасию Забудину, как студентку художественного колледжа, не волновали вещи не имеющие прямого отношения к искусству. Она скромно питалась, еще скромнее одевалась и жила в самой скромной комнате в общежитии. Но на жизнь всё равно не хватало.
Съев на завтрак запасенные для концептуальной картины макароны Забудина поняла, что так дальше продолжаться не может. Ей нужна подработка.
— Убивать не надо. А раздеться придется. Погоди возмущаться! Это не то, о чём ты подумала. Надо поработать натурщицей. Два часика посидишь с виноградной лозой в руках и сможешь сосисками целую неделю питаться.
Забудина задумалась. С одной стороны она сгорала от стыда даже на медицинском осмотре молочных желез, с другой стороны еще пару дней без еды и осматривать будет нечего.
— Я сама три раза позировала. Но сейчас им нужна худышка, как ты.
— Да. Там сразу несколько художников. Восемь или девять. Не переживай они все женщины.
В хорошо освещенной студии за мольбертами сидело семь женщин. Забудина сидела на красных подушках посредине, одетая в легкий халатик.
— Х-х-хорошо, дрожащим голосом согласилась Анастасия и скинула халатик.
Женщины начали рисовать с деловым видом, лишь дама в очках поцокала языком:
— Да не красней ты так девочка. С подушками сливаешься.
Забудина глубоко вздохнула, как на приёме у маммолога. И усилием воли вернула своей коже естественную бледность.
— Уф. Чуть не опоздал на Афродиту,- в комнату, с мольбертом под мышкой, ворвался нескладный тип в очках и с красным шарфом.
— Что? Ну опоздал Альбертик, ну и что?
— Мне сказали, что тут не будет мужчин.
— Это — не мужчина. Это — художник. Давай ка тряпку долой.
— Я так — не согласна. Пусть он отвернется.
— Как же ему рисовать?
— Да! Как же мне рисовать прикажете? На ощупь?
Сжав зубу, Забудина опять обнажилась.
— Что ж за Афродита нам сегодня попалась болтливая. Всё вдохновение сбиваешь.
— Он на меня смотрит. Так не честно.
— Что? Вот ещё. Не буду я раздеваться.
— Ничего мне не страшно. Я пришёл сюда рисовать, а не позировать — мне за это не платили.
— Я так и знала. Трус.
— Так вы на её стороне?
— Альбертик, если разденешься — купим тебе пиццу.
Парень со злостью снял с себя шарф и швырнул на пол. Затем проделал такую же операцию с остальными вещами. Пока не остася в одних трусах.
— Трусы — только за большую пиццу.
Под хлопки художниц Альбертик снял с себя трусы и красный, то ли со злости, то ли со стыда стал рисовать. Через некоторое время до него дошло, что большинство женщин смотрят не на Афродиту.
— Зато я получу пол твоего гонорара и пиццу в придачу.
— Ребятки замолчите! Не мешайте рисовать Апполо… в смысле Афродиту.
Через два часа всё закончилось. Картины были нарисованы, женщины разошлись по домам, а Альберт и Анастасия не глядя друг на друга одевались.
— Что б тебя пронесло!
— Ты мне, кстати, деньги так и не вернула.
В дверь не постучавшись вошел курьер:
После чего переглянулись и засмеялись.
Через полчаса от пиццы осталась одна коробка. Забудина возвращалась в свою очень скромную комнату. Её провожал Альберт. На улице было холодно — и они кутались в один шарф. В студии высыхало восемь картин. На семерых была изображены Афродита плавно переходящая в Апполона. На восьмой была просто Афродита.
Спустя годы последняя картина была признана шедевром.
Многие отмечали оригинальное решение последней картины. Глядя на неё буквально чувствовалось, что сначала Афродита была так себе, но с каждым мазком становилась всё выразительнее и красивее. Критики считали, что таким образом художник хотел подчеркнуть процесс рождения греческой богини.
А вот почему, глядя на картину хотелось есть, так никто и не понял.
Если вам понравилось, то другие рассказы размещены тут.
Если нет, но у вас хватило упрямства дочитать до сюда, то. как обычно. Ещё два/три слова о недочётах недостатках. )
История одного шедевра.
Заходит на объект новый подрядчик, будет реализовывать дизайнерскую задумку. Рисовать вот такие номера на дверях.
Сидит один из исполнителей в кабинете у менеджеров проекта (МП). МП в шутку спрашивает:
— Слушай, ну недёшево вы берете за рисование этих номерков, совсем недешево!
— А как вы хотели, работа непростая, высокохудожественная!
— Блин, слушай, такое дело, у меня дочке годик уже, скоро подрастет и скажет: «Папа, а нарисуй мне лягушку.» А даже и не представляю, как эту лягушку рисовать. Дочка огорчится, плакать ещё будет. Научи меня простенькую лягушку рисовать.
— Ну давайте бумагу, попробую.
Сейчас полотно висит в кабинете у МП на стене.
Высокое искусство или дипломатия 80 lvl
В одной стране правил хромой, одноглазый, горбатый тиран. Он захотел увековечить свой образ в портрете.
Первый художник изобразил его таким, как есть, и был казнен за оскорбление его величества.
Второй превратил его в стройного, молодого красавца и был посажен в тюрьму за искажение истины.
Третий изобразил властелина верхом на вздыбленном коне, в профиль, зрячим глазом к публике, широкой буркой задрапировав горб, и получил высшую государственную премию
Шаблон трещал. Шаблон рыдал. Шаблон умолял сжалиться над ним и так жёстко его не пытать. Музыкальное сопровождение (да, именно!) было немного. специфичным. То резкий вой скрипок, то удары барабанов, то трубы взывали к року. Сальери был в костюме клоуна и был удивительно похож на оно.
А Моцарт вообще почему-то был женщиной. Причём, одета она была примерно как Буратино из советского фильма.
Думаю, вам понятна вся степень обалдевания аудитории. Лишь один завкафедрой с горящими глазами смотрел за лицедейством, приговаривая:»Гениально, это гениально. «. Наконец, всё закончилось. Завкаф блаженно призакрыл глаза и обратился к Лене, сидевшей справа от меня:
-Ну как, что, что вы думаете?
-Эммм. Ну. Странно как-то, что Моцарт женщина и.
Завкаф мигом пробудился и взъярился:
-Вы ничего не понимаете! Почему вы ТОЛЬКО на ЭТО обратили внимание?
Далее следовала злобная тирада, что никто ничего не понял. Довольно злобно он обратился к следующему студиозусу, то есть ко мне:
-А вы что скажете? Тоже только на Моцарта смотрели?
-Ну сами посудите. Очевидно же, что автор делает акцент на том, что Моцарт чистое и непорочное дитя в душе! Что ему интересен только мир музыки, а не бренное наше земное существование. Если бы Моцарта играл мужик, то он бы по фактуре ломал эту идею. Да и голос ребёнка больше похож на голос женщины.
Логично
У меня был восхитительный преподаватель по логике. И логичен он был как водится всецело и окончательно. Казалось, для каждой ситуации у этом умной голове имеется уже готовая тщательно выверенная инструкция. В преддверии сессии преподаватель, видимо, почувствовал нашу нервозность и решил снять напряжение.
Мы насторожились. С точки зрения логики, нас всех надо было бы отправить на пересдачу.
Желаю всем быть понимающими «экзаменаторами» для окружающих, не упускать шанс сделать мир слегка добрей и логичней, и пусть наши профессии накладывают на нас исключительно положительный отпечаток.